L'Atalante. Revista de estudios cinematográficos

Número 42 completo

Varios Autores — Wed, 01 Jul 2026 00:00:00 +0200

Número 42 completo en PDF.

Hermenéutica de las ruinas. De las huellas a la sanación del trauma colectivo en 'Los niños de la colmena' y 'El teléfono del viento'

Miguel Muñoz-Garnica, Cora Cuenca Navarrete, Adrián Tarín-Sanz — Fri, 31 Jul 2026 00:00:00 +0200

El artículo analiza cómo Los niños de la colmena (Hachi no su no kodomotachi, Hiroshi Shimizu, 1948) y El teléfono del viento (Kaze no denwa, Nobuhiro Suwa, 2020) utilizan las ruinas como dispositivos ético-formales para afrontar los principales traumas colectivos sufridos por Japón desde la Segunda Guerra Mundial. En ambas películas, las ruinas no solo funcionan como escenarios devastados por los bombardeos de Hiroshima y Nagasaki o por la catástrofe de Tōhoku, sino que actúan como huellas de un dolor que se resiste a ser abordado por las narrativas oficiales. A través de una metodología cinematográfica abierta a lo real y del viaje como motivo narrativo, los directores plantean una ética del testimonio que evita la estetización del trauma, proponiendo en su lugar una «memoria ejemplar» y «multidireccional» que conecta diferentes generaciones de víctimas y supervivientes. Frente a la institucionalización del olvido promovida por el Estado japonés en aras de la modernización y la estabilidad, estas obras construyen espacios fílmicos de resistencia, donde lo traumático puede ser elaborado colectivamente, sentando así las bases simbólicas para una sanación «desde abajo».

Del trauma a la memoria: la traducción visual de los cuerpos femeninos en 'Las flores de la guerra'

Fang Xie, Dongye Lyu, Dody M.H. Chen — Fri, 31 Jul 2026 00:00:00 +0200

Tomando como caso de estudio la película Las flores de la guerra (Zhang Yimou, 2011), este artículo analiza cómo el cine bélico traduce el trauma histórico en memoria colectiva mediante la construcción visual del cuerpo femenino. A partir de las teorías de la memoria colectiva y cultural de Assmann (2011) y del concepto de memoria protésica de Landsberg (2004), se recurre a la semiótica corporal y a los estudios de género para realizar una lectura minuciosa de dos posiciones femeninas diferenciadas en el filme: colegialas y cortesanas. El análisis identifica una “transducción cinematográfica” del trauma en tres momentos: (1) la visualización, mediante la cual la mirada/oclusión, los primeros planos y el montaje disyuntivo convierten la violencia en experiencia corpórea; (2) la simbolización, en la que los cuerpos femeninos dejan de ocupar exclusivamente el lugar de víctimas para devenir un “cuerpo sublime” ético-estético atravesado por el sacrificio, la ayuda mutua y el duelo comunitario; y (3) la comunalización ética, donde identidades sociales previamente segmentadas convergen bajo la catástrofe cívica, transformando el cuerpo femenino en un conducto entre el afecto individual y la narrativa nacional. En este recorrido, el cuerpo no se presenta solo como entidad física, sino como signo cultural en el que se entrecruzan el poder, el género y la memoria. El artículo sostiene, en consecuencia, que la corporeización generizada funciona como un mecanismo clave en la producción de la memoria nacional: la gramática visual del film, en particular la tensión entre ocultamiento y exposición, recodifica los cuerpos femeninos como archivos afectivos y metáforas culturales, haciendo que la historia traumática se vuelva sensorialmente compartida y narrativamente perdurable. En conjunto, los hallazgos ofrecen un marco operativo para examinar las políticas de la memoria y la estética corporal en el cine de guerra chino.

Transnacionalismo afirmativo en el documental coreano reciente: las obras de Oh Minwook e Im Heung-soon

Jihoon Kim — Fri, 31 Jul 2026 00:00:00 +0200

Este artículo examina la obra documental de dos cineastas-artistas surcoreanos, Oh Minwook e Im Heung-soon, a través del prisma de lo que Mette Hjort (2009) denomina «transnacionalismo afirmativo», una modalidad de producción cinematográfica transnacional basada en la colaboración entre contextos nacionales distintos a partir de afinidades culturales, históricas o experienciales compartidas. En Letters to Buriram (Haehyŏp, Oh Minwook, 2019), Oh combina una estética de cuaderno de viaje próxima a Sans Soleil (Chris Marker, 1982) con una estructura epistolar articulada por la voz de una artista taiwanesa, configurando una reflexión experimental sobre las huellas transnacionales de la violencia de la Guerra Fría en Corea del Sur, Taiwán y Japón. Por su parte, el transnacionalismo afectivo desarrollado por Im Heung-soon se manifiesta en instalaciones documentales multipantalla como Reincarnation (Hwansaeng, 2015) y The Waves (P’ado, 2022), obras que establecen complejas correspondencias entre sujetos procedentes de distintos lugares de Asia, Corea del Sur, Vietnam e Irán, que buscan interrogar las violencias sufridas y recuperar memorias históricas disputadas. En conjunto, estos casos muestran cómo el documental posactivista surcoreano del siglo XXI amplía sus límites nacionales y estéticos para proponer perspectivas transnacionales y multidimensionales sobre las memorias de la violencia regional.

La muerte en la pantalla. Autorrepresentación y performatividad en 'The Act of Killing' y 'La mirada del silencio'

Jordi Revert Gomis — Fri, 31 Jul 2026 00:00:00 +0200

El díptico documental conformado por The Act of Killing y La mirada del silencio supuso, en la década pasada, un punto de inflexión en la recuperación de la memoria del genocidio indonesio acontecido entre 1965 y 1966. Al mismo tiempo, ambas películas, dirigidas por Joshua Oppenheimer, marcaron un antes y un después en la evolución del documental performativo y la representación de la violencia en los discursos memorísticos de la no ficción. En el presente artículo se exploran las estrategias desarrolladas por estos títulos en la incorporación de los testimonios de perpetradores y víctimas, poniendo especial atención a la autorrepresentación, la performatividad y el papel de la televisión y el cine en la narrativa del genocidio. Se aborda para ello un análisis textual de secuencias clave que parte de la semiótica visual, con el fin de determinar los efectos que dichas estrategias tienen en el discurso documental y ponderar la importancia de las obras en un contexto de creciente presión para la reparación de la memoria indonesia.

De la memoria a la posmemoria. El trauma de la herencia bélica en 'Viet and Nam'

Enric Burgos — Fri, 31 Jul 2026 00:00:00 +0200

El presente artículo toma Viet and Nam (Trương Minh Quý, 2024) como objeto de análisis con el fin de examinar cómo el film procura una aproximación alternativa a la memoria de la guerra entre Vietnam y Estados Unidos. En primer lugar, se revisan sucintamente las representaciones cinematográficas que consolidaron la lectura oficial del conflicto promovida por el gobierno de Vietnam para, posteriormente, atender a las transformaciones introducidas tanto por el cine del Đổi mới como por el cine de la diáspora vietnamita, ya que estas impulsaron nuevas vías para pensar el trauma. Seguidamente, el análisis textual de Viet and Nam muestra cómo la película dialoga con estas corrientes, a la vez que introduce desplazamientos significativos en su abordaje de la memoria bélica. Se destaca, así, el importante peso que el film otorga a la experiencia del duelo, a la exploración de la posmemoria y a la inscripción de una mirada queer que desestabiliza los marcos dominantes. Asimismo, se presenta la narrativa fragmentaria y sensorial del film como dispositivo que permite articular la transmisión del trauma más allá de la experiencia directa, vinculando lo íntimo con lo histórico y abriendo una reflexión sobre la memoria desde una perspectiva generacional y transnacional.

'The Tokyo Trial': reflexiones sobre lo visual, el diálogo transnacional y la monumentalidad

Yuepeng Wei, Tiantian Xu — Fri, 31 Jul 2026 00:00:00 +0200

Mediante un análisis de caso de la película The Tokyo Trial (2006), este artículo explora los dilemas a los que hacen frente los sujetos poscoloniales al narrar traumas históricos, así como los esfuerzos por trascender el trauma estructural de la historia visual y establecer nuevas relaciones de poder en torno a la mirada. Partiendo de la teoría de Rey Chow sobre el «cine como discurso de traducción cultural» (1995), se discute si los diálogos transnacionales impulsados por culturas no occidentales conducen inevitablemente a una intensificación de su posición espectacular. Asimismo, tomando como ejemplo las representaciones culturales basadas en eventos históricos como los juicios de Tokio y Nuremberg, se reflexiona sobre la responsabilidad de la generación de posguerra como audiencia.

Más allá de la memoria nacional: Testimonios multilingües y supervivencia transnacional en '63 Years On'

Sen Ni — Fri, 31 Jul 2026 00:00:00 +0200

Este artículo examina cómo 63 Years On (2008) reconfigura la historia del sistema de «mujeres de consuelo» del ejército japonés mediante un modo transnacional de testificación. En lugar de organizar los testimonios dentro de límites nacionales, la película reúne a mujeres de Corea, China, Filipinas y las Indias Orientales Neerlandesas en un mismo campo cinematográfico. Sus memorias —expresadas en diferentes idiomas, pero marcadas por rupturas similares en la infancia, la vida comunitaria y la integridad corporal— forman una red de resonancias que revela la estructura regional de la violencia en tiempos de guerra. La película logra este efecto mediante un conjunto de prácticas que incluyen un modelo translingüístico de testimonio, a través del cual el sufrimiento puede articularse más allá de la diferencia lingüística; una semiótica corporal que se manifiesta en expresiones faciales, gestos, movimientos interrumpidos y lágrimas contenidas, legibles a través de distintas culturas; y, finalmente, una ética de la cámara que sitúa los testimonios en un plano de igualdad, mantenido mediante una puesta en escena cuidadosa, una distancia medida y un montaje horizontal. Cada una de estas prácticas crea un espacio de diálogo intercultural que no puede comprenderse plenamente a través de ninguno de estos elementos por separado. Sostengo que 63 Years On no solo documenta experiencias traumáticas, sino que propone una ética transasiática de la memoria, en la que la condición de supervivencia se convierte en una reivindicación histórica compartida, arraigada en experiencias interconectadas de violencia y en la búsqueda colectiva de justicia.

La diáspora norcoreana y la cultura popular coreana: la migración por motivos de género en las memorias de los desertores y los medios audiovisuales

Hyunseon Lee — Fri, 31 Jul 2026 00:00:00 +0200

Este estudio examina las dimensiones de género de la diáspora norcoreana tal y como se representa y difunde en la cultura popular coreana a través de memorias de desertores, entrevistas, dramas coreanos, películas y medios digitales y sociales, situando estas narrativas en el contexto de la memoria transnacional, las tensiones históricas y los estudios sobre migración. La gran ola de desplazamientos que siguió a la hambruna de mediados de la década de 1990, conocida como la «Marcha Ardua», durante la cual murieron cientos de miles de personas en medio del colapso económico y la muerte de Kim Il-sung, se enmarca en el legado del dominio colonial japonés, la Guerra de Corea sin resolver y la división de la península, moldeada por la Guerra Fría. Desde principios de la década de 2000, las mujeres representan más del 70 % de los desertores a Corea del Sur, pero sus experiencias de violencia sexual, trata de personas y matrimonios forzados en China —donde se las clasifica como migrantes ilegales en lugar de refugiadas— siguen sin ser suficientemente investigadas. Este estudio analiza cómo las mujeres desertoras construyen narrativas de supervivencia y negocian su visibilidad a través de plataformas transmedia integradas en la ola coreana. Estas narrativas iluminan las intersecciones entre el desplazamiento personal y la geopolítica de Asia Oriental, mientras que los medios digitales amplifican formas complejas de testimonio para el público global. Aplicando marcos conceptuales sobre la memoria traumática, la narrativa testimonial y los estudios transnacionales sobre los medios de comunicación, el artículo demuestra cómo las historias de migración de las mujeres en la cultura popular coreana desafían las nociones convencionales de victimismo, heroísmo y pertenencia nacional.

Centrándose en memorias como The Girl With Seven Names (2007) e In Order to Live (2015), junto con entrevistas, dramas coreanos, películas y medios digitales y sociales, este estudio analiza cómo las mujeres desertoras construyen narrativas de supervivencia y negocian su visibilidad a través de plataformas transmedia integradas en la ola coreana. Estas narrativas iluminan las intersecciones entre el desplazamiento personal y la geopolítica de Asia Oriental, mientras que los medios digitales amplifican formas complejas de testimonio para el público global. Aplicando marcos conceptuales sobre la memoria traumática, la narrativa testimonial y los estudios transnacionales sobre los medios de comunicación, el artículo demuestra cómo las historias de migración de las mujeres en la cultura popular coreana desafían las nociones convencionales de victimismo, heroísmo y pertenencia nacional.

¿De quién es la memoria? Cultura visual y memorias de guerra en Asia Oriental

Fri, 31 Jul 2026 00:00:00 +0200

Esta entrevista reúne a tres destacados especialistas cuyas investigaciones abordan la memoria transnacional desde diferentes perspectivas disciplinares. Edward Vickers, Bingbing Shi y Xiaoning Lu reflexionan sobre la relación entre la memoria y los conflictos históricos en Asia Oriental, tomando la cultura visual como eje central de la discusión. A través del análisis del cine y de otras formas de representación, examinan cómo la cultura visual contribuye tanto a reforzar como a cuestionar las narrativas nacionales sobre la guerra. La conversación aborda, asimismo, acontecimientos históricos concretos, entre ellos la segunda guerra sino-japonesa, la guerra de Corea, la masacre de Nankín y el legado aún no resuelto del sistema de las «mujeres del consuelo». Asimismo, analiza críticamente las categorías de víctima y perpetrador, así como las tensiones entre la memoria nacional y la memoria transnacional. En conjunto, la entrevista pone de relieve que la cultura visual constituye un espacio privilegiado para la negociación de las memorias del pasado y para comprender los desafíos contemporáneos de la memoria en Asia Oriental.

Éramos el decorado: la rememoración transnacional en la era de la memoria global

Amanda Weiss , Marcos Centeno-Martin, Alberto Porta-Pérez — Fri, 31 Jul 2026 00:00:00 +0200

Este artículo propone una descolonización de los estudios de la memoria mediante el análisis de las relaciones entre cultura visual, memoria y transnacionalidad en Asia Oriental y el Pacífico. Tomando como punto de partida el documental We Were the Scenery (Christopher Radcliff, 2025), reflexiona sobre quién es recordado, quién adquiere visibilidad dentro de los relatos históricos sobre la guerra y sus consecuencias y de qué modo los medios audiovisuales participan en la construcción, circulación y disputa de la memoria colectiva. Se sostiene que las memorias de la violencia no pueden permanecer confinadas dentro de marcos nacionales, sino que se configuran mediante procesos transnacionales de migración, circulación mediática e intercambio cultural. Como resultado de las «batallas por la memoria» en la región, los cines asiáticos, marcados por las historias de colonialismo, guerra y migración, se han convertido en espacios fundamentales para negociar pasados traumáticos y conformar comunidades de posmemoria. En última instancia, el artículo defiende que el cine actúa como un agente transformador que no solo preserva el pasado, sino que contribuye activamente a la producción de nuevas formas de memoria, cuestionando los relatos nacionales y mostrando cómo los propios procesos de rememoración se transforman en una era de circulación mediática global.

Trauma, memoria y reparación en clave transnacional. Conversación con Cecilia Kang

Lucía Rud, Marcela Canizo — Fri, 31 Jul 2026 00:00:00 +0200

La conversación con la cineasta Cecilia Kang aborda los entretejidos entre trauma, memoria y reparación con el documental Partió de mí un barco llevándome (2023) como protagonista. La autora argentino-coreana pone el foco en la memoria de las denominadas «mujeres de confort» del Ejército Japonés y lo hace desde una perspectiva transnacional y diaspórica. La entrevista pone sobre la mesa procesos documentales para representar la transmisión intergeneracional sobre el trauma y las posibilidades del cine documental como forma de reparación simbólica. Cecilia Kang reflexiona sobre cómo su propia experiencia personal interviene en el proceso creativo y en la construcción de la pieza audiovisual a través de Melanie, la protagonista. Partió de mí un barco llevándome establece diálogos entre la violencia sexual ocurrida en la guerra y otras violencias que persisten contra las mujeres. La voz de Kang a través del documental propone una reflexión sobre el cine como espacio de mediación entre el pasado y el presente, capaz de activar procesos de memoria, reconocimiento y reparación más allá de los marcos nacionales.

Mancheta del número 42

Revista L'Atalante — Fri, 31 Jul 2026 00:00:00 +0200

Página de créditos del número 42.

Cuerpos de agua: lecturas de la inundación y el desbordamiento en 'El Agua' y 'Creatura'

Miriam Sánchez Manzano, Edurne Larumbe Villarreal — Fri, 31 Jul 2026 00:00:00 +0200

Este artículo se propone analizar cómo el medio acuático se configura como un espacio de agenciamiento y transformación corporal para las protagonistas de El Agua (Elena López Riera, 2021) y Creatura (Elena Martín Gimeno, 2022). A partir de un análisis comparativo de ambas películas, y con el apoyo de diversas pensadoras que desde los nuevos materialismos feministas han teorizado sobre la potencialidad de un cuerpo acuoso y fluido, este texto examina cómo Ana y Mila —las protagonistas de estos films— conciben el agua como un espacio desde el que trascender sus propios límites corporales. En este proceso, la experiencia acuática da lugar a una transformación que las inunda y desborda, articulando nuevas formas de corporalidad fluida.

Lesbianas monstruosas: la construcción del personaje en el cine de terror contemporáneo

Lledó Morales Roig — Fri, 31 Jul 2026 00:00:00 +0200

El arquetipo de la lesbiana monstruosa se ha construido a lo largo del cine de terror. El cine lésbico contemporáneo lo hereda desde cierta distancia. Se encuentra, dependiendo del subgénero del film, en el terror sobrenatural como una villana monstruosa, heredera de la vampira de los años 70 o en el thriller psicológico como una femme fatale asesina. En el cine de terror, las protagonistas sáficas se construyen evolucionando el arquetipo desde autoconsciencia creativa e influencias de los estudios culturales. A través del análisis textual de tres películas paradigmáticas: El cuerpo de Jennifer (2009), Thelma (2017) y Sangre en los labios (2024), con una perspectiva interdisciplinaria desde la teoría fílmica lésbica, que combina aspectos de la teoría fílmica queer, el psicoanálisis y la teoría fílmica, se examinan las dinámicas narrativas y de construcción de personajes que configuran el cuerpo femenino del monstruo como un espacio de transgresión, abyección y poder. Proponemos la construcción de lo monstruoso como reflejo de una escisión interna con lo femenino, donde lo abyecto del cuerpo pasa por el rechazo al deseo, con figuras protagonistas que subvierten la narrativa tradicional y redefinen los límites de su agencia.

Gloria en la derrota y reconciliación. La Confederación en el cine de John Ford

Nekane Erritte Zubiaur Gorozika — Fri, 31 Jul 2026 00:00:00 +0200

John Ford solo dirigió dos películas ambientadas en la Guerra de Secesión y, aunque es un tema que a él le interesaba particularmente, la impronta de dicho acontecimiento histórico en su obra apenas ha sido estudiada. Este artículo rastrea las huellas de la Guerra Civil en su filmografía y analiza más concretamente el retrato que Ford esbozó de los personajes confederados, contrarios a sus propios postulados ideológicos. Dichos personajes se dividen en tres categorías: los marginados redimidos, los jueces de Kentucky y los confederados de la trilogía de la caballería. Los perfiles de estos personajes muestran algunos de los rasgos que el cineasta norteamericano estimaba especialmente, como el sentido del deber, la resistencia y el honor en la derrota. Las relaciones que mantienen con los personajes del bando de la Unión, especialmente en las películas de la caballería, revelan la afinidad de Ford con la filosofía de fraternidad y reconciliación que Lincoln promulgó durante su breve mandato y señalan al ejército como marco idóneo para desarrollarla.

Más allá de la representación: intertextualidad cinematográfica como política estética de resistencia en la obra cinematográfica de Jordan Peele

Damian Esteban Bretones — Fri, 31 Jul 2026 00:00:00 +0200

Este artículo analiza la obra de Jordan Peele —Déjame salir (2017), Nosotros (2019) y Nop (2022)— desde la intertextualidad entendida como política estética de resistencia, que se despliega como estrategia crítica que revela la violencia racial inscrita en la historia del cine y en el imaginario cultural estadounidense. A través de referencias a films como Eyes Wide Shut (1999), Adivina quién viene esta noche (1967) o C.H.U.D. (1984), y de la campaña mediática Manos a través de América (1986) o la serie fotográfica El caballo en movimiento de Muybridge (1878), Peele desestabiliza jerarquías simbólicas y reinscribe la memoria de cuerpos y subjetividades negras históricamente borradas, a través de juegos temporales y formales, que trascienden su propia obra. Este enfoque pretende trascender la política de la representación al exponer las lógicas estéticas raciales que continúan modelando el cine estadounidense.

El goce del dolor en 'La pianista'. Itinerario de una mirada sadiana: violencia, perversión y autodestrucción

Pablo Ferrando — Fri, 31 Jul 2026 00:00:00 +0200

El trabajo tiene como objetivo analizar La pianista (La pianiste, Michael Haneke, 2001) desde la narratología, atendiendo a la estructura de las ocho noches que la vertebran y a la representación del deseo de su protagonista, Erika Kohut. La metodología del artículo combina el análisis textual con algunos conceptos del psicoanálisis lacaniano, así como las aportaciones de Sade, Bataille y Debord, construyendo un diálogo con la novela homónima de Elfriede Jelinek. Los resultados permiten ilustrar cómo Haneke articula un mecanismo narrativo donde la protagonista, atrapada entre el control materno y la rigidez institucional, desarrolla prácticas sadomasoquistas y vouyeristas que expresan la imposibilidad de un erotismo compartido. La relación con Walter Klemmer, lejos de materializar el amor, se traduce en un juego de poder y humillación que culmina en la autodestrucción, acompañada por la música de Schubert como resonancia melancólica. Las secuencias clave revelan que el filme rehúye el espectáculo erótico para interrogar tanto el deseo como la mirada del espectador. En conclusión, La pianista se erige en un punto de encuentro entre narración fílmica, crítica social y reflexión filosófica, situando la intimidad en el límite entre placer y dolor, y evidenciando que en la obra de Haneke la mirada nunca es inocente.