L'Atalante. Revista de estudios cinematográficos

Mancheta del número 41

Revista L'Atalante — 2026-01-31

Página de créditos del número 41.

Contravisualidades de la extracción: fricciones archivísticas más allá del petro-colonialismo

Anna Mundet — 2026-01-31

Esta entrevista analiza las prácticas fílmicas de Sanaz Sohrabi y Nariman Massoumi, dos artistas de origen iraní cuyas obras examinan los legados visuales del petro-colonialismo en el Golfo Pérsico. A través de un análisis crítico de archivos fílmicos y fotográficos corporativos, los cineastas muestran cómo el cine y la fotografía actuaron históricamente como tecnologías que a la vez legitimaron discursos de modernización mientras ocultaban luchas laborales, violencias socioambientales y desigualdades estructurales. Las estrategias formales usadas por estos artistas abordan el archivo como un dispositivo marcado por ausencias, silencios y lógicas extractivas. La conversación examina cómo sus obras desestabilizan los regímenes escópicos dominantes, reactivando historias de resistencia enterradas. Con esta entrevista vemos cómo las prácticas fílmicas contemporáneas basadas en el trabajo con materiales de archivo pueden abrir nuevas genealogías de la historia visual del Golfo Pérsico, transformando visualidades extractivas en espacios de reinscripción crítica y sensibilidad ecológica y política.

Del videoactivismo al documental de creación colaborativo. Co-autoría en 5 cámaras rotas y Para Sama

Federico Pritsch — 2026-01-31

En este trabajo propongo el estudio de caso de dos films documentales de la última década, surgidos a partir de una práctica videoactivista de sus protagonistas que en una etapa avanzada del rodaje sumaron a co-directores externos a la comunidad para construir un largometraje de cine documental. Se trata de 5 cámaras rotas (Emad Burnat y Guy Davidi, 2012) y Para Sama (Waad Al-Kateab y Edward Watts, 2019), que abordan conflictos sociales de enorme actualidad como la disputa territorial en Cisjordania y la guerra civil en Siria. Me interesa analizar estos films en relación con sus procesos de producción social de sentido, los elementos narrativos y estéticos implicados en el pasaje del videoactivismo al cine documental de creación, sus perspectivas enunciativas y sus procesos de creación colaborativa.

Teatralidad y antiteatralidad en Mouchette de Robert Bresson

Alfonso Hoyos Morales — 2026-01-31

El concepto de “modelo” se presenta en Bresson como una reacción al clásico actor teatral. Esto opera en Bresson no sólo como una cuestión estética, sino también antropológica. En su visión, lo teatral se define por el carácter imitativo y proyectivo de una persona en relación a un tercero que la observa. Sin embargo, en Mouchette, la protagonista habita un constante juego de imitación y proyección, donde su teatralidad no contradice, sino que complementa, la compleja construcción de su identidad. Esta teatralidad refleja, por un lado, la imitación propia de la infancia, marcada por la ausencia de una personalidad plenamente formada, y, por otro, se presenta como un acto de resistencia frente a un entorno hostil que constantemente la amenaza. A través de su film, Bresson explora la tensión entre esta imitación y la frustración de Mouchette en un mundo que le niega la posibilidad de afirmar su identidad.

Interacción, resistencia y cooperación: análisis del rol e influencia del sujeto filmado en la obra cinematográfica

Juanjo Balaguer — 2026-01-31

Este artículo propone un análisis del rol e influencia de las personas o colectivos filmados en la obra cinematográfica, específicamente en el ámbito del cine documental. Se analizan dos casos de estudio con el objetivo de valorar el grado y las características de esa influencia. En el primer caso, Chris Marker y el colectivo SLON realizaron À bientôt j’espère (1967) sobre una huelga en una fábrica francesa. Las críticas propiciaron una segunda aproximación, que dio lugar a Classe de lutte (1969). El segundo caso es Pedro Costa y la película Ossos (1997), filmada en el barrio lisboeta de Fontainhas. La reacción de quienes residían en el barrio, además de otros motivos, provocaron una respuesta del director, materializada en No quarto da Vanda (2000). El análisis comparativo entre la primera y la segunda película en cada caso posibilita valorar la influencia de las personas filmadas sobre el enfoque cinematográfico de los respectivos autores. Los cambios sustanciales —tanto en la narración como en el uso del lenguaje cinematográfico— permiten concluir que la perspectiva autoral como componente para el estudio de la película debe complementarse con el análisis de la interacción con las personas filmadas y su influencia sobre la obra cinematográfica.

Nuevas protagonistas para nuevos tiempos: los dramáticos de Josefina Molina y Pilar Miró en Novela durante la Transición española

Natalia Martínez Pérez — 2026-01-31

Este artículo examina las adaptaciones televisivas dirigidas y/o escritas por las creadoras españolas Pilar Miró y Josefina Molina durante el período comprendido entre 1974 y 1981 a través del programa contenedor Novela (TVE: 1962-1979), cuatro obras que, en algunos casos, supone un material olvidado pese a su valiosa contribución historiográfica: Los enemigos (1974) y Pequeño teatro (1977) de Miró; y Aire frío (1974) y El camino (1978) de Molina. Debido a la notable influencia que tuvieron en la audiencia de dicho período, se propone una reflexión en torno a los discursos y las representaciones de género presentadas en estas ficciones. Desde una perspectiva de género, la televisión de la Transición desempeñó un papel crucial al tratar de promover nuevas realidades sociales que exploraban, cuestionaban y desafiaban los nuevos roles adoptados por las mujeres de la época. El análisis de los dramáticos permite reflexionar sobre los discursos articulados en términos feministas por las creadoras, considerándolos un reflejo de las transformaciones políticas y sociales que tuvieron lugar durante la Transición española, como la mejora de la situación de las mujeres en el contexto político-social, con el fin de promover los nuevos valores democráticos desde el papel pedagógico que desempeñaba Televisión Española.

Un tiempo que se transforma en otro: supervivencias de lo visto, figuras del porvenir

Ivan Pintor Iranzo — 2026-01-31

Este artículo analiza la configuración de un nuevo régimen visual en el contexto de los actuales “tiempos inquietos,” caracterizados por la aceleración geopolítica, la alianza entre tecnología, economía y guerra y la transformación radical de la esfera pública. Partiendo de las aportaciones de Georges Didi-Huberman, Hito Steyerl y Éric Sadin, se examina cómo la proliferación de imágenes producidas y difundidas mediante inteligencia artificial y redes sociales da lugar a procesos de saturación cognitiva, neuroexcitación y pérdida de trazabilidad, instaurando una “era de la indistinción” que favorece la invisibilización de conflictos y subjetividades ajenas a los intereses del capitalismo post-liberal extractivista. El texto presta especial atención a la reapropiación de lógicas cinematográficas y fantásticas por parte de líderes populistas y tecno-oligarcas, así como al quiebre del “contrato civil de las imágenes”, ejemplificado por el reel de la “Riviera de Gaza”. Frente a este escenario, el artículo reivindica la centralidad del cine como espacio de resistencia crítica y de reapropiación del futuro, capaz de desarticular los regímenes dominantes de visibilidad mediante el montaje, el anacronismo y la producción de zonas de opacidad e indecidibilidad que restituyan una política de la mirada y de la relacionalidad.

Orden y caos. El discurso de Silvio Berlusconi sobre su “discesa in campo” en relación con Investigación sobre un ciudadano libre de toda sospecha

Daniele Comberiati — 2026-01-31

El 26 de enero de 1994, Silvio Berlusconi anunció su discesa in campo política con un discurso transmitido por una de sus redes privadas. Este discurso marca una clara línea divisoria en la comunicación política italiana, pasando de la ideología del siglo XX (el político como portavoz de un partido o, en cualquier caso, de una ideología o comunidad) al individualismo contemporáneo, como lo demuestran las fotos familiares que aparecen detrás de él y el despacho privado donde se desarrolla la escena. En el artículo, se compara el discurso de Berlusconi con uno de Gian Maria Volonté en la película Investigación sobre un ciudadano libre de toda sospecha (1970). Más allá de las similitudes y diferencias, lo sorprendente es la capacidad de Berlusconi para apropiarse de elementos comunicativos y visuales ideológicamente opuestos, reescribirlos y crear (y narrar) una realidad completamente inventada para convencer a los ciudadanos de que voten por él.

Iconografías del poder mediático en Noticia de una violación en primera página: supervivencias visuales entre el cine político italiano y la esfera pública contemporánea

Daniel Arrebola — 2026-01-31

El presente artículo analiza el film Noticia de una violación en primera página (Bellocchio, 1972) como un ejemplo paradigmático del cine político italiano capaz de establecer códigos visuales para representar la manipulación mediática y las relaciones de poder. A partir del concepto de Nachleben (supervivencia) de Aby Warburg (2010) y la noción de película político-indiciaria de Anton Giulio Mancino (2008), se examinan los motivos visuales recurrentes en la película, como la representación de la redacción como escenario del poder, la construcción visual de la noticia y la fabricación iconográfica del monstruo mediático. Se analizan las supervivencias de estos códigos visuales en la esfera pública contemporánea, desde el periodismo digital hasta las estrategias de activismo visual. El artículo concluye reflexionando sobre la vigencia de la obra del cineasta italiano para comprender la relación entre cine, medios y poder en el contexto actual.

Ante el cuerpo racializado: iconografías (post)coloniales en Dahomey (Mati Diop, 2024), Saint Omer (Alice Diop, 2022) y Stop filming us, but listen (Bernadette Vivuya y Kagoma Twahirgwa, 2022)

Ana Aitana Fernández Moreno — 2026-01-31

Este artículo analiza las estrategias estéticas, discursivas y formales a través de las cuales Stop filming us, but listen (Vivuya y Twahirwa, 2022), Dahomey (Mati Diop, 2024) y Saint Omer (Alice Diop, 2022) confrontan la persistencia de imaginarios coloniales en la representación del cuerpo racializado y proponen una renovación de la iconografía como vía de recuperación de su identidad y agencia. Desde un enfoque teórico que articula conceptos clave como lo postcolonial, la violencia epistemológica o los motivos visuales, se examina cómo estos films desplazan la mirada colonial y movilizan una iconografía crítica que desestabiliza los binarismos heredados –civilizado/salvaje, razón/emoción, objeto/sujeto–. El análisis se organiza en torno a la mutación de motivos visuales clave (el aula, la obra de arte, el juicio, el espectador, el salvador blanco), y se detiene en la inscripción política de esos desplazamientos formales. A través de puestas en abismo, rupturas genéricas e hibridaciones entre lo documental, lo ficcional y lo fantástico, estas películas construyen espacios de enunciación donde el Yo racializado produce sentido, reclama memoria y transforma las condiciones materiales e imaginarias de su representación.

Cuando la migración es asunto de ciencia ficción: El Mar La Mar

Javier Moral — 2026-01-31

El siguiente trabajo analiza El Mar La Mar (Joshua Bonnetta y J. P. Sniadecki, 2017), un documental sobre el drama migratorio en la frontera sur de los Estados Unidos que busca superar el entumecimiento perceptivo de las imágenes «ultra-conocidas». Para ello, se aleja de los regímenes iconográficos del migrant cinema y recurre al extrañamiento poético que singulariza el cine de ciencia ficción de Andrei Tarkovski. A través de estrategias de desautomatización de la mirada en gran parte de su metraje, el documental confronta al espectador con una experiencia sensorial del desierto de Sonora, que es del mismo orden que en Stalker (1979) y su detallada atención al mundo físico y material de la zona prohibida. Pero dicha revalorización es el punto de partida estético que se complementa con un punto de llegada que es estrictamente ético. El último segmento del documental asume los rasgos del océano pensante de Solaris (1972), mundo que dirige la atención del espectador hacia aquello que esconde bajo su superficie: los miles de muertos de migrantes que perecieron intentando atravesar su territorio. Es gracias a ese doble movimiento complementario, estético y ético, que El Mar La Mar logra concitar en el espectador una repuesta que es tanto sensorial como emocional e intelectual.

Devenir animal: dispositivos y formas perceptivas de lo no-humano en el cine iberoamericano contemporáneo

Polina Gorbaneva — 2026-01-31

El presente artículo aborda el concepto de «devenir animal», propuesto por Deleuze y Guattari, como una «zona de indiscernibilidad» donde el humano y el animal se modifican mutuamente, para analizar desde este prisma las estrategias cinematográficas de obras contemporáneas del cine iberoamericano, como: Salvaxe, salvaxe (Emilio Fonseca, 2024), Reserve (Gerard Ortin, 2020), 592 metroz goiti (Maddi Barber, 2019), Ruido ê (Silvia Zayas, 2023), Cemetery (Carlos Casas, 2019), Pepe (Nelson Carlo de los Santos Arias, 2024) y Monólogo colectivo (Jessica Sarah Rinland, 2024). La investigación se organiza en torno a tres ejes: 1) Tecnologías de captura y regímenes visuales del no-humano, 2) Perspectivas y desbordes de la cámara animal y 3): Antropomorfización y realismo zoomorfo. A través de un análisis iconográfico de las obras, el artículo constata que se generan nuevas formas de percepción inter-especie, permitiendo que otras sensibilidades —no humanas— puedan emerger y habitar entre las imágenes de estas obras.

Historia, violencia y activación política: Antes del fuego como lugar cinematográfico de reconfiguración de la esfera pública y la memoria colectiva en Colombia

Juan Pablo Osman — 2026-01-31

El artículo analiza Antes del fuego (Laura Mora, 2015) como una obra que problematiza la memoria colectiva del conflicto colombiano mediante la articulación entre archivo audiovisual y ficción. La película reactiva la toma y retoma del Palacio de Justicia de 1985, no para reconstruir los hechos, sino para interrogar su sentido político, estético e histórico. Su narrativa funciona como premonición: situada días antes del ataque, enfatiza la inminencia del trauma y evidencia cómo la violencia se infiltra en la vida cotidiana. El texto desarrolla tres núcleos teóricos. Primero, el archivo es entendido como un campo de disputa simbólica, capaz de resistir versiones oficiales y activar una memoria crítica. Segundo, la pseudomorfosis explica la reconfiguración de géneros, particularmente del thriller político y el drama romántico, que, en lugar de ofrecer cierre narrativo, producen inestabilidad hermenéutica acorde al duelo inconcluso. Tercero, el realismo sensorial articula sonido, cámara y temporalidad para generar una experiencia perceptiva donde el cuerpo deviene operador de conocimiento histórico. Mora propone una ética de la mirada que evita la espectacularización del horror y privilegia huellas, silencios e indicios. Así, el film se afirma como dispositivo de resistencia estética, capaz de disputar los regímenes de visibilidad del pasado y aportar a procesos de justicia simbólica y memoria colectiva.

Colonialismo, extractivismo y violencia en el cine chileno contemporáneo. El genocidio selknam en Blanco en blanco y Los colonos

Antonio Luco Busto — 2026-01-31

Este artículo examina las películas chilenas Blanco en blanco (Théo Court, 2019) y Los colonos (Felipe Gálvez, 2023) como intervenciones estéticas y políticas que reescriben la historia del genocidio selknam en Tierra del Fuego. En diálogo con las visiones historiográficas contrastadas de Mateo Martinic y José Luis Marchante, se propone que ambos filmes desestabilizan el relato heroico del colono y revelan la violencia estructural del proyecto modernizador y extractivista que acompañó la colonización de la Patagonia austral. Estos filmes se inscriben en aquello que Hayden White llama una «historiofotía» de carácter poscolonial, que confronta la amnesia histórica y propone modos éticos de figuración de la violencia. Ambas películas revelan el entrelazamiento entre colonialismo, extractivismo y barbarie, donde la ocupación del territorio y de los cuerpos funda el capitalismo periférico del cono sur. En estos ejemplos, el cine chileno contemporáneo emerge como un espacio de revisión crítica de los imaginarios nacionales y de sus silencios fundacionales, situando la ficción como un dispositivo crítico, reflexivo y riguroso con los debates contemporáneos y los documentos históricos.

«¡Cámaras! ¡Cámaras! ¡Cámaras!»

Marta Pérez Pereiro — 2026-01-31

Históricamente, la lucha política ha sido a menudo retratada como un campo masculino. El espacio tradicional para las mujeres se ha ligado a los cuidados, el trabajo reproductivo y la domesticidad, lo que explica su representación estereotipada o su escasa presencia en las imágenes de protesta, vinculadas a una iconografía machista de levantamiento y violencia. Sin embargo, el estudio de una serie de documentales gallegos contemporáneos apoyados en material de archivo muestra la repetición de un gesto diferente: la mujer como barrera, enfrentándose a una carga policial. En este trabajo pretendemos definir un método que nos permita estudiar este gesto en Nación (Margarita Ledo, 2020) y Os días afogados (César Souto Vilanova y Luís Avilés Baquero, 2015) pero también el gesto invisible por el que diferentes cineastas incorporan el archivo de luchas pasadas y lo ponen de nuevo en circulación.

La expresión de las emociones en tiempos del COVID-19. Una aproximación melodramática al deterioro de las relaciones sociales a partir de motivos visuales en los informativos de RTVE

Federica Gobbi — 2026-01-31

Partiendo de la premisa de que los periodos de restricciones impuestos durante la COVID-19 provocaron una contracción del abanico emocional socialmente expresable, este artículo examina la relación entre dicha reducción y el deterioro de las formas culturalmente codificadas para comunicar emociones en la esfera pública. El corpus de análisis se limita a las representaciones derivadas de las imágenes que acompañaron las noticias en los informativos vespertinos de RTVE en La 1 durante 2020 y 2021. La argumentación se desarrolla mediante un enfoque iconográfico e iconológico orientado a identificar las mutaciones formales de los motivos visuales (Balló, 2000) más significativos desde una perspectiva afectiva y de aquellos empleados con mayor frecuencia en la cobertura mediática de la pandemia. Asimismo, se analizan las variantes iconográficas que emergen en imágenes asociadas a otras noticias, cuando pueden considerarse consecuencia de las repercusiones de la pandemia sobre acontecimientos que compartieron la agenda informativa del periodo. Al identificar indicios de una posible crisis epistémica, rastreable en la ausencia manifiesta de la representación de determinadas emociones, se interpretan sus implicaciones afectivas mediante una comparación con ejemplos cinematográficos del melodrama, género centrado en el intercambio emocional.

Dancing on the Edge of a Volcano

Joan Miquel Gual Bergas — 2026-01-31

Dancing on the Edge of a Vulcano (Cyril Aris, 2023) es, en primer lugar, un testimonio de las diversas crisis que asolaron Beirut en los años 2020 y 2021, cuando detonó un almacén que contenía residuos bélicos y fertilizantes, dejando tras de sí un balance de 218 muertos, 7.500 heridos y un paisaje devastado con 300.000 personas sin hogar. También, es un making of de Costa Brava Líbano (Costa Brava Lebanon, Mounia Akl, 2021), una ficción inspirada en la crisis de las basuras de 2015. En tercer lugar, incluye fragmentos de Hamasat (Maroun Bagdadi, 1980), con el objetivo de poner en diálogo las ruinas beirutíes posteriores al estallido con aquellas resultantes de la guerra civil del país (1975-1990), así como vincular los afectos políticos y vitales existentes en ambos momentos históricos. El análisis de los motivos visuales del documental es inseparable del de las otras películas, ya que establece un diálogo explícito con ambas. En conjunto, por su mirada hacia atrás y hacia delante, evidencian la crítica benjaminiana del progreso, formulada a través de la alegoría del Angelus Novus. También, dicho análisis pone en relación paisajes del mundo histórico con paisajes distópicos anticipados por el cine de ciencia ficción y de catástrofes.

Número 41 completo

Varios Autores — 2026-01-31

Número 41 completo en PDF.

Filmar para profanar la frontera. El cine como contra-poder. Conversación con Sylvain George

Carolina Sourdis — 2026-01-31

Esta entrevista con el cineasta francés Sylvain George examina dos décadas de trabajo cinematográfico dedicado a confrontar el régimen migratorio europeo y sus violencias sistemáticas. A través de un diálogo que combina referentes teóricos con su práctica como cineasta, George articula su cine como una forma de contra-poder que disputa los regímenes de visibilidad dominantes, apoyándose en pensadores como Walter Benjamin, Jacques Rancière, Michel Foucault y Judith Butler. La conversación aborda la transformación del dispositivo fronterizo europeo desde 2006 —cuando George comenzó a filmar— hasta la actualidad, caracterizada por una intensificación de la violencia, la externalización del control y la sofisticación tecnológica. George analiza cómo el régimen fronterizo opera como una sacralización perversa que produce cuerpos como «matables» e «ilegítimos», inscribiéndose en una continuidad colonial que estructura las políticas migratorias contemporáneas. El cineasta reflexiona sobre imágenes particularmente potentes de su filmografía no como representaciones del sufrimiento, sino como actos políticos de desidentificación forzada. Frente a la criminalización y el desprecio estructural, George propone un cine que profana las fronteras, que registra formas frágiles de habitar y que sostiene la mirada sobre existencias que el poder desea borrar, configurando así un espacio para generar un reparto diferente de lo sensible.